Desde las nuevas galerías de 12,000 pies cuadrados del Instituto del Vestuario del Met hasta un museo de calzado en Florencia dentro de un palacio medieval del siglo XIII.
Credit: The Metropolitan Museum of Art
La moda ocupa una posición inusual en el mundo de los museos. Los objetos que produce — prendas, zapatos, accesorios, bocetos — se encuentran entre los más personales y perecederos que maneja cualquier institución coleccionista, y su supervivencia durante décadas o siglos requiere un cuidado de conservación que la mayoría de las instituciones textiles han desarrollado recientemente en una disciplina rigurosa. Un vestido del siglo XVII y un vestido de noche de Chanel de los años 30 se conservan en el mismo entorno pero representan contextos culturales, métodos de construcción y significados simbólicos completamente diferentes. Dar sentido a lo que los conecta y los distingue es el trabajo que realizan los mejores museos de moda, a un nivel de profundidad curatorial que las prendas en sí mismas recompensan.
Las instituciones que tienen colecciones de moda abarcan una gama de identidades institucionales: un museo adjunto a una escuela de diseño, un museo alojado en el edificio original de una casa de alta costura, un museo fundado por la esposa de un zapatero y un museo dentro de una de las colecciones generales más grandes del mundo. Cada uno aborda la moda desde un punto de partida diferente, produciendo diferentes fortalezas y vacíos. Los cinco siglos de historia del vestido del Museo Victoria y Albert le dan una profundidad cronológica que un museo de un solo diseñador no puede igualar. La posición de La Galerie Dior dentro de la Casa Dior original le da una intimidad de archivo con un solo legado creativo que ninguna institución enciclopédica puede replicar. Juntos, el rango de enfoques que toman estas instituciones le da a la categoría de museos de moda una diversidad que recompensa visitar más de uno.
Las ocho instituciones a continuación aparecen en la edición de abril de 2026 de Travel + Leisure. Varias han abierto recientemente nuevas galerías o están presentando exposiciones nuevas en sus respectivas ciudades. Cada una ofrece un punto de entrada distinto a la historia de la moda, el diseño y la relación entre la vestimenta y la cultura.
Credit: The Metropolitan Museum of Art
El Instituto del Vestuario del Museo Metropolitano de Arte en Nueva York está abriendo nuevas galerías de casi 12,000 pies cuadrados adyacentes a la entrada del Gran Salón del museo el 10 de mayo de 2026. El espacio ampliado le da al Instituto espacio para presentar su exposición anual de primavera junto con exposiciones de otros departamentos curatoriales dentro del museo, lo que refleja la ambición más amplia del Instituto de posicionar la moda no como una categoría aparte del arte fino, sino como continua con él. La exposición inaugural en las nuevas galerías, “Arte del Vestuario”, yuxtapone prendas de la colección del Instituto con obras de arte de las colecciones del Met, creando pares que iluminan la relación entre la vestimenta y el cuerpo y entre las representaciones artísticas del cuerpo y la moda como forma de expresión.
La exposición “Arte del Vestuario” fue celebrada en la Gala del Met del 4 de mayo, copresidida por Beyoncé, Nicole Kidman, Venus Williams y Anna Wintour, y permanecerá en exhibición hasta el 10 de enero de 2027. La Gala, que sirve como recaudación de fondos para el Instituto del Vestuario, le da a la exposición de primavera un momento anual de visibilidad cultural que pocas exposiciones de museos reciben, y la selección de copresidentes cada año señala la orientación temática de la exposición antes de que las puertas se abran al público.
La colección permanente del Instituto del Vestuario proporciona a las nuevas galerías una base de profundidad significativa: abarca prendas desde el siglo XVII hasta el presente y ha sido ensamblada con el mismo rigor de adquisiciones que el Met aplica a sus colecciones de pintura y escultura. El nuevo espacio de galería proporciona a esta colección un entorno de presentación acorde con su importancia, que la disposición anterior de galerías del Instituto, dispersa por el nivel inferior del museo, no siempre lograba.
Credit: The Museum at the Fashion Institute of Technology
El Museo del Instituto de Tecnología de la Moda en Nueva York mantiene una colección permanente de alrededor de 50,000 prendas y accesorios que cubren tres siglos de historia del vestuario, incluyendo obras de Adrian, Balenciaga, Chanel y Dior. La identidad institucional del museo como parte de una escuela de diseño en funcionamiento le da una función pedagógica junto a su papel de exhibición: la colección sirve a estudiantes que estudian historia y construcción de la moda, así como a visitantes que asisten a exposiciones y programas. Este doble propósito da forma a la profundidad de la documentación de la colección, ya que las prendas sirven como fuentes primarias para los estudiantes que aprenden directamente de ellas.
La próxima exposición especial, que estará en exhibición del 16 de septiembre al 4 de enero de 2027, explora las conexiones entre muñecas y alta costura a lo largo de tres siglos, con diseños de Marc Jacobs, Lanvin, Martin Margiela y Anna Sui. La conexión entre el diseño de moda y la construcción de muñecas tiene una profundidad histórica que el rango cronológico de la exposición desde el siglo XVIII hasta el presente permite trazar: las muñecas han funcionado como vehículos para la exhibición de moda, como prototipos para prendas a escala y como objetos culturales cuya ropa refleja las modas de su época de maneras que la exposición utiliza para iluminar las relaciones entre el juego, la domesticidad y el diseño de alta gama.
La ubicación del museo dentro del campus de FIT en el barrio de Chelsea de Manhattan le da un contexto institucional que la propia concentración de la industria de la moda en Nueva York amplifica. La proximidad de diseñadores en activo, instalaciones de producción y medios de moda a una institución que alberga prendas de fuentes primarias de la historia del campo le da al Museo en FIT una relevancia para la industria contemporánea que las instituciones en otras ciudades con colecciones comparables no pueden replicar solo a través de la proximidad geográfica.
Credit: The Weitzman Shoe Museum
El Museo del Calzado Weitzman, que se inaugura el 18 de junio en el nuevo ala Tang para la Democracia Americana de la Sociedad Histórica de Nueva York, presenta aproximadamente 150 pares de zapatos históricos de la colección que Jane Weitzman comenzó a ensamblar en 1996. La colección se originó como una comisión de exhibición de escaparates: Jane Weitzman comenzó a coleccionar y encargar zapatos exhibidos artísticamente interpretados para las vitrinas de las tiendas de Stuart Weitzman, con objetos hechos de materiales que incluyen flores frescas y vitrales. Estas piezas de exhibición encargadas representan una categoría de calzado que existe entre la escultura y la exhibición comercial, y su ensamblaje en una colección de museo les da una lectura que ni la vitrina de la tienda ni una colección convencional de zapatos proporciona.
La instalación del museo que traza la historia de las mujeres a través de los zapatos extiende el alcance de la colección de lo decorativo a lo documental, utilizando el calzado como evidencia de una historia social y política más amplia desde el movimiento por el sufragio de principios del siglo XX hasta la influencia de Hollywood a mediados de siglo en el diseño de calzado. El argumento de que los zapatos pueden llevar este tipo de carga histórica, que la transformación del calzado femenino a lo largo de un siglo de cambio social refleja en lugar de simplemente acompañar ese cambio, le da a la colección Weitzman una ambición temática que los museos de zapatos construidos principalmente en torno a la artesanía y el diseño no siempre intentan.
Stuart Weitzman fundó su marca de calzado homónima en 1986, proporcionando al museo un fundador institucional cuyo contexto profesional en la industria contemporánea del calzado de lujo conecta la colección histórica con la práctica de diseño vivo que documenta. El entorno del Tang Wing dentro de The New York Historical le da al Museo del Zapato un marco curatorial orientado hacia la historia americana y la cultura democrática, lo que enmarca la instalación de la historia de las mujeres dentro de una narrativa política específicamente americana.
Credit: Bata Shoe Museum
El Bata Shoe Museum en Toronto, fundado en 1995 por Sonja Bata, abarca 4,500 años de historia del calzado a través de cuatro galerías rotativas, otorgando a la institución una profundidad cronológica inigualable por cualquier otro museo de zapatos en el mundo. El rango de la colección, desde calzado antiguo hasta diseño contemporáneo, le da al Bata la capacidad de montar exposiciones a lo largo de todo el espectro de la historia del vestir humano, como lo demuestra el programa de exposiciones actual: “Rough & Ready: A History of the Cowboy Boot”, en exhibición hasta el 20 de septiembre, cubre una forma cultural específicamente americana; la primera exposición de la obra de André Perugia, en exhibición hasta abril de 2027, se centra en un diseñador cuyas innovaciones de principios del siglo XX transformaron el calzado de lujo; y “Unearthing Vindolanda”, que se inaugura el 7 de mayo y se extiende hasta septiembre de 2027, presenta hallazgos arqueológicos relacionados con el calzado de la frontera norte del Imperio Romano.
Las tres exposiciones simultáneas representan la capacidad del Bata para albergar historia antigua, historia del diseño e historia cultural en la misma institución al mismo tiempo, sin que ninguna de las tres reduzca a las otras. André Perugia, un diseñador italo-francés que trabajó en París en la primera mitad del siglo XX, ocupa una posición significativa en la historia del calzado, y este tratamiento monográfico, dedicado a él por primera vez en este contexto museístico, le otorga el reconocimiento que merece. El calzado Vindolanda del fuerte romano al sur del Muro de Adriano en Northumberland proporciona la dimensión arqueológica de la historia del calzado con un sitio y período específicos cuyas excavaciones continúan generando nuevos hallazgos.
El edificio del museo, diseñado por Raymond Moriyama e inaugurado en 1995, proporciona al Bata un entorno de galería construido con un propósito que su programa rotativo utiliza completamente. La ubicación en Toronto le da al museo una presencia en América del Norte para una colección ensamblada a lo largo de toda una vida de recolección e investigación global por su fundador, nacido en una familia con raíces europeas de fabricación de zapatos.
Credit: The Victoria and Albert Museum
La colección de moda del Victoria and Albert Museum en el South Kensington de Londres abarca cinco siglos de historia del vestir y constituye la colección más grande y completa de ropa histórica del mundo. Sus fondos van desde vestidos del siglo XVII hasta vestidos de noche Chanel de la década de 1930, ropa de día de Mary Quant de la década de 1960 y alta costura de posguerra de Christian Dior y Cristóbal Balenciaga, en un barrido cronológico que ninguna otra institución iguala en términos de calidad y amplitud. La colección del V&A proporciona una base de fuente primaria para la historia de la moda comparable en profundidad y documentación a lo que la National Gallery proporciona para la pintura británica.
La exposición especial actual, “Schiaparelli: Fashion Becomes Art”, en exhibición hasta el 8 de noviembre, marca la primera exposición en el Reino Unido dedicada a Maison Schiaparelli. La exposición cubre toda la historia de la casa, desde las primeras prendas innovadoras de Elsa Schiaparelli a finales de la década de 1920 hasta el trabajo contemporáneo del actual director creativo Daniel Roseberry. Se incluyen más de 400 objetos, que abarcan 100 conjuntos y 50 obras de arte junto con accesorios, joyas, pinturas, fotografías, muebles, perfumes y material de archivo que le dan a la exposición una densidad de documentación apropiada para un diseñador cuyo trabajo se encuentra en la intersección de la moda, el surrealismo y el arte fino.
Las colaboraciones de Elsa Schiaparelli con Salvador Dalí y Jean Cocteau, y su desarrollo de prendas de punto trompe-l’œil, vestidos de langosta y trajes de esqueleto, le otorgan a la casa un lugar específico en la historia de la relación de la moda con el arte de vanguardia, una relación que el título de la exposición reconoce directamente. La ubicación del V&A en South Kensington le da a la exposición un contexto de museo, cuyas colecciones —artes decorativas, diseño, textiles, escultura y fotografía— hacen el caso de la moda como arte, con el peso institucional de una colección enciclopédica detrás.
Credit: MoMu
MoMu en Amberes alberga la mayor colección de moda belga contemporánea en el mundo, lo que le da al museo un enfoque nacional de colección específico que su exposición actual utiliza como tema principal. “Los Seis de Amberes”, en exhibición hasta el 17 de enero de 2027, presenta a los seis diseñadores belgas —Dirk Bikkembergs, Ann Demeulemeester, Walter Van Beirendonck, Dries Van Noten, Dirk Van Saene y Marina Yee— cuya educación compartida en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes y presentación colectiva en el British Designer Show en 1986 establecieron la moda belga como una fuerza internacional y a Amberes como una capital de la moda.
El argumento organizador de la exposición es la trayectoria específica que conecta a seis diseñadores que se formaron en la misma institución al mismo tiempo, presentados colectivamente en un formato que los hizo visibles en un mercado donde cualquiera de ellos solo podría haber atraído menos atención, y que siguieron carreras individualmente significativas que el momento compartido de la presentación en Londres en 1986 hizo posible. La historia de los Seis de Amberes trata tanto de estrategia colectiva como de talento individual, y la exposición utiliza la colección de MoMu de su trabajo para rastrear tanto las condiciones compartidas que los produjeron como las direcciones estéticas distintas que cada uno persiguió de manera independiente.
La reputación de MoMu por exposiciones inmersivas le da a “Los Seis de Amberes” un formato de presentación que el propio enfoque de los diseñadores sobre la moda —conceptualmente riguroso, teatralmente escenificado, resistente a la lógica puramente comercial— recompensa. La ubicación de MoMu en Amberes le otorga una relación con la identidad de la moda de la ciudad que las instituciones que presentan moda belga desde fuera de Bélgica no pueden replicar, y la Real Academia de Bellas Artes, cuyo departamento de moda produjo a los Seis, sigue siendo una institución activa a poca distancia del museo.
Credit: La Galerie Dior
La Galerie Dior ocupa el edificio original de la Casa Dior en el 30 de la Avenida Montaigne en París, dándole al museo una conexión física con su tema que ninguna colección Dior ubicada externamente puede reclamar. La galería documenta a Christian Dior y a sus seis sucesores creativos —Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons y Maria Grazia Chiuri— a través de atuendos, bocetos originales, documentos de archivo, accesorios y lo que el museo describe como piezas excepcionales, muchas mostradas al público por primera vez dentro de la exposición permanente de la galería.
La exposición temporal actual, en exhibición hasta el 17 de mayo, presenta más de 100 obras de Dior de la colección de la Fundación Azzedine Alaïa. La propia colección de obras de Dior del modista tunecino-francés Alaïa, ensamblada a lo largo de décadas de su carrera como uno de los diseñadores independientes más significativos del siglo XX, le da a la exposición una perspectiva curatorial específica de la relación de un diseñador con el legado de otro. Una exposición relacionada en la Fundación Alaïa, en otro lugar de París, se extiende hasta el 21 de junio, dando a los visitantes que vean ambas una imagen completa del diálogo entre las dos casas.
La dirección de Avenue Montaigne sitúa La Galerie Dior dentro de la geografía de la alta costura parisina que la calle ha anclado desde el período de posguerra, cuando la colección New Look de 1947 de Dior transformó el panorama de la moda internacional. El edificio que alberga la galería fue el lugar donde trabajó Dior, lo que otorga a los bocetos y prendas exhibidos una especificidad locacional que la reproducción en cualquier otro lugar perdería por completo.
Credit: Ferragamo Museo
El Museo Ferragamo en Florencia ocupa el sótano medieval del Palazzo Spini Feroni, un edificio del siglo XIII que también alberga la sede contemporánea de la empresa Ferragamo, una colección de pinturas florentinas de los siglos XVII y XVIII, y una capilla del siglo XVII. El museo fue fundado en 1995 por la familia Ferragamo para presentar a los visitantes internacionales la dimensión artística del trabajo de Salvatore Ferragamo y su papel en la historia del calzado y la moda global. La arquitectura medieval del palacio y sus siglos de estratificación posterior dan al museo un entorno físico que añade profundidad histórica a sus objetos.
La actual exposición temporal, “Salvatore Ferragamo 1898-1960”, está en exhibición hasta el 10 de mayo y cubre la carrera del diseñador desde su nacimiento hasta su muerte. Ferragamo, que emigró de Italia a Estados Unidos y construyó su reputación inicialmente en Hollywood antes de regresar a Florencia para establecer su operación de alta costura, ocupa una posición específica en la historia de la moda que cruza entre la cultura de celebridades estadounidenses y la tradición artesanal italiana. La descripción del museo de la exposición como un “carrete de película de nuestro pasado, un paso atrás para explorar el papel de un museo y la curaduría que lo acompaña” refleja una postura curatorial autorreflexiva que el largo legado de la familia Ferragamo del archivo hace posible.
La ubicación en Florencia le da al Museo Ferragamo un contexto geográfico dentro del paisaje de la moda y la artesanía italiana que reflejan directamente los contenidos del museo: la tradición artesanal de fabricación de zapatos que Florencia ha sostenido a lo largo de los siglos le da al trabajo de Ferragamo una herencia regional tanto como un genio individual, y la infraestructura turística existente de la ciudad alrededor de su arte y arquitectura le da al museo una base de visitantes ya orientada hacia el tipo de compromiso con la cultura material que la colección Ferragamo recompensa.
